Kohei Nawa “Oracle”
我们前往观看了Kohei Nawa的个展”Oracle”。展场位于表参道GYRE大厦三层的GYRE GALLERY。
展出作品
本展以疫情期间创作的新作为中心，展出了众多系列作品。
PixCell
“PixCell”是将物体以透明球体覆盖，将其存在替换为”影像细胞”的雕塑作品。
物体通过互联网收集而来，如同显示于PC屏幕上的图像（像素的集合体）一般，被无数的Cell所”包覆”。
当整体被大小球体覆盖后，其表皮就被分割为一个个的细胞（PixCell），透过放大、扭曲的镜头，物体成为被”观赏”的状态。
这一系列诞生于全球主义与高度信息化的浪潮之下，反映着数码相机镜头与经由其信息化的物体之间的相互关系，创造出叩问事物表皮真实性的视觉与触觉体验。
※PixCell：由Pixel（像素）与Cell（细胞）组合而成的造词。
Black Field
“Black Field”以油画颜料与油的混合特性所形成的、历时数月持续变化状态的”场”为主题。
层层堆叠于板面上的黑色油画颜料，从接触空气的部分开始逐渐氧化并硬化。
在本次个展期间，画面整体仍将持续刻下收缩与开裂的纹理。
在制作初期，即使是平整的部分也会耗费两三周产生皱纹，无法承受表皮张力的部分则会撕裂。
撕裂之处露出饱含油分的液态油画颜料，新的反应随之开始。
这种由现象过渡到表象的过程，宛如反复经受风雨与日晒的土壤；而”裂缝”则令人联想到植物表皮上因细胞膨压变化而开合的”气孔”。
Trans
神鹿乘云飞至春日之地的形象，在奈良美术史中具有象征意义，表现了Kasuga Taisha Shrine（春日大社）本殿第一殿的祭神武瓮槌命（Takemikazuchi-no-Mikoto）从鹿岛乘鹿降临春日的情景。
《Trans-Sacred Deer (g/p_cloud_agyo)》以据传制作于镰仓至南北朝时代的”春日神鹿舍利厨子”中的神鹿为原型，在3D系统上制作数据，并运用木雕、漆涂、贴箔等传统技法制作而成。
神鹿自身也化作云状形态，背上的马鞍之上供奉着立于莲花座上的火焰宝珠。仿佛神使被召来一般，穿越漫长时光，显现于现世。
Dune
《Tornscape》（2019年）将火星沙丘的形成理论作为程序加以运用，通过物理模拟描绘流沙种类与气象状态所引发的景观变貌，是以《Hojoki（方丈记）》的无常观为主题的影像装置作品，其中天灾与瘟疫如同画卷般被生成。
从在电脑上与程序员协同制作的经验出发，尝试探索能否用实际颜料将变貌的景观表现为绘画，”Dune”系列便由此起步。
“Dune”是将多种媒介、粒度不同的颜料及水等混合后铺洒于承载物上，通过媒介的黏度与承载物倾斜之间的关系呈现出多样表情的绘画系列。
其做法是回收《Direction》中依循重力沿画布垂直流下之后成为所谓废液的颜料，加以再利用并在水平面上展开。源于物性差异的复杂表情，唤起了自上方俯瞰气象现象与景观关系的感觉。
Blue Seed
在涂有特殊颜料的半透过性板面上照射紫外线激光，绘出以植物种子与胚珠为主题的3D模型截面剪影。因紫外线而暂时变色、仿佛蓝色墨水渗入般的线条，会在生成后耗费数十秒缓缓消失。以细密的间距接连出现的扫描线，其残像浮现为种子与胚珠的立体图像。
通常而言，绘画的关键在于制作者所绘的图像能否固定于承载物上；而在”Blue Seed”中，图像不会固定于承载物之上，而是由计算机程序反复生成后自然消失。
蕴含个体成长可能的种子与胚珠的图像，昭示着生命的诞生、存在的虚幻，以及在明灭之间仍得以维系的作为系统的永续性。
※程序：Ryo Shiraki / 声景：Marihiko Hara
Silhouette
沿着大楼扶梯上行时，中庭挑空空间GYRE Atrium亦展出了作品《Silhouette》系列。
“Silhouette”是于2018年为钢琴家Koki Nakano在东京Spiral Hall及京都ROHM Theatre Kyoto举行的音乐会作为舞台美术登场的雕塑作品。
由声音旋律中提取的曲线所构成的旋转体构筑起体量，其表皮则覆以能锐利反射光线的碳化硅粒。
在黑暗中一旦有光照射，”Silhouette”的纪念碑印象便退居其后，作为光学现象场域的表层浮现出来。将声音旋律作为波动加以捕捉并转化为雕塑，与本作相关的雕塑作品尚有”White Pulse”与”Ether”。
“White Pulse”（2012年）作为银座Dover Street Market的公共艺术，将穿过管中的能量波动向外扩散的样态加以造型化。
在犬岛F邸”Biota”（2013年 / Setouchi Triennale瀬戸内芸术祭）的坪庭中，象征性地表现水、生命与重力关系的”Ether”散布其间。
两者皆在静谧的姿态之中，蕴含着波动与能量的动态张力。
Catalyst
“Catalyst”是自点而始、于空间中匍匐蔓延并不断以网状增殖的造型，是介于雕塑与绘画之间的存在。
直接绘于墙面时，也可成为场域特定的装置。在胶枪中被加热而液化的热塑性胶粘附于承载物后冷却，便再度凝固定型。
透明胶线条的堆积，发展出如同发育中的神经网络，或宛若追寻光线而生长的植物藤蔓与黏菌的形态。它以抗拒重力负荷而向上的冲动、如展开双翼般水平展开的姿态、以及似茎般向下延伸的形态显现出来。无机体与有机体之间。它叩问着细胞中所编码的欲望与本能，以及生命的本质究竟为何。使用胶创作的最初作品《blackyarn》（2000年 / Gallery Sowaka），诞生于其研究生时期——彼时他正面对”意识何时寄宿于物质或物体”的命题，在雕塑与绘画之间来回思索。
Moment
“Moment”由施加恒定压力于装有粘度经过调整的颜料的储罐、从喷嘴射出的颜料绘就。
如同”Force”中的黑色硅油那样，一道沿重力铅直流下的颜料获得水平方向的力后如钟摆般开始摆动，在水平放置的承载物之上绘出多样曲线。也有将储罐固定、令承载物移动来进行绘制的情形。本次个展中的”Moment”即采用后者手法，让承载物高速反复移动而绘制完成。如此镌刻着相对运动轨迹的”Moment”，将离心力、由地轴倾斜所产生的科里奥利力、公转轨道等宇宙空间中的力学与恒常运动的意象与身体感觉相连结。
通过对罐内压力细微地减压，线条偶尔中断而刻画出细微的节奏；控制线条堆积的疏密，画面便产生时空的纵深。为了显示与”Force””Direction”中所呈现的实际感觉之间的关联，遂以与”Force”相同的颜色与线宽绘制，并按照与”Direction”相同的15度角进行裁切。
Rhythm
“Rhythm”通过组合大小不一的球体（cell），以其排列与构成为空间赋予律动。
例如在”PixCell”中，通过排布不同大小的水晶玻璃球体，赋予围绕物体的视线流动与表皮独特的纵深，创造出视觉的放大效果。此外，这些大小球体群平行移动所形成的粗带与细带，也延续至”Direction”。
为了简明地展现贯穿于其他作品系列中的感觉，在球体与承载物的所有表面植上浅灰色的短纤维绒面，使之呈丝绒状并趋于均质。
这件作品的契机，源于他在东京的据点、代官山的Drawing Room “DR”中在板面上放置几个木质球体的尝试。彼处不过是大小球体的节奏，仅此而已。
然而，这样中性的表现在疫情之下，竟仿佛可以被视为另一种事物——这种奇妙的感觉，虽有讽刺意味，却也极为耐人寻味。
