The Nikkei Nihonga Grand Prize Exhibition
3년에 한 번 열리는 「The Kaii Higashiyama Memorial Nikkei Nihonga Grand Prize」를 찾았습니다.
이 상은 차세대 미술계를 이끌 신예 일본화가를 표창하는 제도로서 Nikkei Inc.（일본경제신문사）가 2002년에 창설했습니다. 신예라고는 하지만 40대·50대 작가, Tokyo University of the Arts（도쿄예술대학） 교수 등 베테랑들도 얼굴을 나란히 하고, 매번 입선하는 작가도 여럿 있어 상의 위상이나 구조가 확립되어 있지 않다는 느낌도 들지만, 꽤 볼 만하고 좋은 전시였습니다. ※수상 자격이 만 55세까지라고 합니다. 늦게 꽃피우는 작가도 지원한다는 뜻이겠지요.
전부는 아니지만 작가와 작품 소개, 그리고 작가의 코멘트를 리포트해 두겠습니다. 그리고 구입한 도록에는 추천자의 작품 비평이 실려 있었는데, 이것이 꽤 흥미로웠습니다(좋은 의미로든 나쁜 의미로든).
Grand Prize: Takako Asami
대상 상금이 500만 엔이라는 꽤 큰 상입니다. 멋지게 그 티켓을 거머쥔 Takako Asami 씨, 첫인상은 ‘잘 그리는구나…’였습니다. 벚나무를 먹으로 그리는 어려움을 전혀 느끼게 하지 않는 훌륭함. 탁 트인 공간 속에 벚나무의 입체감이 절묘하게 표현되어 있습니다.
소식을 들었을 때는 ‘정말인가요?’ 하는 느낌이었습니다. 설마 대상일 줄은 생각지도 못했습니다. 공원에 있는 실제 벚나무를 모티프로 삼았는데, 평소에는 매화나 감 같은 정원 나무를 모티프로 삼다 보니, 이렇게 큰 것을 화면에 담으려면 어떻게 해야 할지 처음에는 망연자실했습니다. 자신이 생길 때까지 관찰과 스케치를 거듭하고, 그 밑그림을 바탕으로 나무 앞에 섰을 때의 감각을 연속된 점으로 치환해 가는 느낌으로 그렸습니다. 매화나 감과 달리 벚나무는 가지가 가늘고 유연하기에, 가는 선과 자잘한 점으로 회색의 계조를 소중히 하는 동시에 여백을 두는 방식에도 궁리를 더했습니다. 어느 정도 그렸을 때 무언가가 떠오르는 듯한 느낌이 있어서, 그것을 소중히 여기며 완성한 작품입니다.
Kaori Aoki
이 작품은 제가 대학원생이던 시절에 제작한 것으로, 이렇게 다시 전시 기회를 얻게 되어 정말 기쁩니다. 저는 원래 먹이나 안료 등의 재료를 연구했는데, 그런 제한된 소재를 사용해 2차원이라는 제한된 세계에서 얼마나 공간과 생명을 표현할 수 있을지를 동기로 삼아 그리고 있습니다. 생물의 유동감을 직접 느낄 수 있는 해파리의 형태를 바탕으로 한 이 작품은 「Kyōkai（경계）」라는 시리즈로, 화면마다 나뉘어 있지만 실은 좌우도 상하도 없이 어디로든 이어지는 구성입니다. 두 점을 한 세트로 하고 있지만, 지나치게 세트 작품처럼 되지 않도록 약간의 어긋남을 의식했습니다. 또한 제작 자체도 바탕을 만들지 않고 단번에 그리며, 경험과 우연성을 엮어 그려 나가는 것도 주제 중 하나입니다.
Amanatsu Aono
학예사분에게 추천 이야기는 들었지만 그저 놀랍다는 한마디입니다. 영광스러운 마음과 황송한 마음이 반반이네요. 요즘 다양한 미디어의 정보를 접하는데, 세상에 넘쳐나는 정보를 많이 입력하기보다 어쩌면 옛 「Kojiki（고사기）」 같은 이야기를 찬찬히 읽는 편이 저 자신에게 더 도움이 되지 않을까, 남녀 역할에 대한 인식, 세상의 구조, 자신의 내면을 정확히 파악할 수 있지 않을까 하는 마음에서 「Kojiki」를 주제로 그린 작품입니다. Izanagi와 Izanami는 어떤 얼굴을 하고 있을까 상상으로 그려 보았습니다. 그리는 것이 정말 즐거웠습니다.
Yuriko Asano
Yuriko Asano 씨의 작품은 처음 보았는데 훌륭한 작품이었습니다. 그림이 살아 있다고 할까, 움직이는 듯한 애틋함(에모함)이 있습니다.
작가 코멘트
원래 유화를 그려 왔고, 일본화와는 물감을 쓰는 방식도 다르다고 생각하기에 입선한 것에 놀랐습니다. 하지만 솔직히 무척 기쁩니다. 저는 여러 지역의 예로부터 이어온 삶을 취재하고, 그것을 바탕으로 작품을 그립니다. 「Okami no Yakushu」를 제작하면서 실제로 도호쿠 지방의 온천지에서 약주를 빚는 여장(오카미, 여주인)에게 방법을 여쭙고 직접 만들어 보기도 했습니다. 거기서 얻은 체감을 작품을 통해 표현하고 있습니다. 유화 물감과 일본화의 암채(이와에노구)를 함께 사용해 이질적인 소재가 부딪치는 느낌이, 그 땅의 에너지와 강인함으로 반영되었으면 합니다.
Kei Arai
Tokyo University of the Arts 의 선생님으로, 신예이기는커녕 고참의 반열에 든 분이지만, 역시 잘 그리는구나, 반칙이다 싶은 마음으로 감상했습니다. 항복입니다.
지금까지와는 작풍을 확 바꿔 발표한 작품입니다. 지난가을에 발표하고 곧바로 추천을 받아 입선할 수 있었고, 이렇게 소개까지 받게 되어 매우 감사합니다. 이전에는 이미지적인 표현이 중심이었지만, 이 시리즈부터는 신체 동작적인, 선을 긋는 행위의 집적으로 작품을 만드는 쪽으로 과감히 방향을 틀어 보았습니다. 밑그림도 스케치도 하지 않고, 가지가 갈라지는 패턴을 붓놀림에 담아 몸으로 익힌 리듬으로 거침없이 그려 나갔습니다. 가지가 갈라지고 퍼지고, 또 퍼져서, 다 퍼진 지점까지가 화면입니다. 천장 높이만 먼저 정했을 뿐, 화면 크기는 정하지 않고 그려 나간 작품입니다.
Ryōzō Katō
어쨌든 가로로 길어서 두루마리 그림(에마키) 같은 작품입니다. 인간의 시야를 넘어서는 화각을 표현하고 있는데, 멀찍이 물러나 보기보다 움직이면서 보는 편이 운치가 있네요.
몇 번 추천된 적은 있지만 입선한 것은 처음입니다. 나이로 보아도 올해가 마지막이었기에, 기쁨과 동시에 다행이라는 것이 솔직한 심정입니다. 제가 그림을 그리기 시작한 시절에는 일본화의 폭을 넓혀 가는 움직임이 주류였고, 일본화의 시작에는 눈길이 가 있지 않았습니다. 그 원점에 눈을 돌린 끝에 있었던 것이, 본 그대로가 아니라 ‘생각을 그리는 사실(寫實)’이었습니다. 그렇다면 그 생각은 어디를 보고 무엇을 그리고 있었는가… 깊이 파고들어 도달한 것이 중국의 산수화였습니다. 현실의 자연과, 저 혼자만이 아닌 사회 전체의 이미지를 부스트하여 그리고 있습니다.
Aya Shiina
왜곡을 다루어 자기 것으로 만든 수작입니다. 안뜰을 모티프로 채용한 것도 승리의 요인이겠지요.
입선에 대해서는 놀라움과 기쁨과…, 놀라움이 더 큽니다. 이 작품은 전국에 몇 곳 남아 있는 옛 유곽 등을 돌아다니며 그린 것 중 하나입니다. 일본화의 왕도라 할 아름다운 장소가 아니라, 잊혀 버릴 것 같은 것들 속에 있는 흥미로움, 그것이 존재하는 의미를 생각하면서 일부러 그런 장소에 가서 그리고 있습니다. 스케치를 그대로 그림으로 옮기니 어안 렌즈처럼 왜곡된 느낌이 되었습니다. 제대로 손질되지 않아 잡초가 무성한 정원을 보았을 때의, 시공을 초월한 듯한 인상이 왜곡으로서 무의식중에 드러난 것인지도 모릅니다.
Takeshi Tanaka
Takeshi Tanaka 씨는 앞으로 크게 될 듯한 예감이 드는 작가입니다. 최근 열렸던 Kobayashi Gallery 에서도 큰 캔버스를 작게 보이게 하는 작품의 힘이 느껴집니다.
이번에 제작한 「Seishō ～Kami 7 no Uta～」는 난푸쿠(難福, 재난과 복)를 주제로 삼아, 검은 흙주머니(토낭) 위에서 노래하는 일곱 명의 여성을 그렸습니다.
잡초가 무성한 흙주머니는 후쿠시마 등지로 확산되고 있는 오염 처리토입니다. 검은 피라미드 등으로 불리는 것인데, 지금 그것들은 열화되기 시작해 흙이 새어 나오고 잡초가 자라나고 있습니다. 그 현상을 ‘난(재난)’으로 파악하고, 그 위에 ‘복’의 상징인 칠복신(시치후쿠진)을 이미지화한 일곱 명의 여성을 그렸습니다. 그녀들이 입은 옷에는 일본에 있는 원전과 같은 수의 주머니가 달려 있습니다. 앞으로 우리에게 찾아올 ‘복’에는 모두 이러한 ‘난’이 따라붙지만, 그럼에도 ‘복’을 바랄 수는 있을 것이라는 의미를 담아 제작에 임했습니다.
어중간한 태도가 될 위험을 무릅쓰고 말하자면, 저는 원전에 관해 우파다 좌파다 하는 극단적인 답에 지나치게 기대지 않고, 죽을 때까지 그 사이에서 계속 생각해야 하는 문제라고 여깁니다. 그런 가운데 이 작품으로 「원전은 악이다!」라거나, 하물며 「선이다!」라고 말하려는 것이 아니라, 이 원전에 둘러싸인 세계, 그리고 거기서 생겨난 ‘난’과 ‘복’을 받아들이며 살아가야 하는 현실과 각오를 표현하고 싶었습니다. 그 마음을 형태로 만들기 위해, 이번에 제작한 「Seishō ～Kami 7 no Uta～」에서는 Ōkyo Maruyama 의 「Shichinan Shichifuku-zu」를 발상의 바탕으로 삼으면서, Ryōhei Koiso 의 「Seishō」, Monument to the Twenty-Six Martyrs of Japan 의 「Shōten no Inori」 등을 참조하며 그렸습니다.
자신의 주변에 있는 개인사적인 것부터 나라 전체를 둘러싼 사회적인 것까지, 미시적으로도 거시적으로도 난과 복은 존재합니다. 그것을 회화로 표현하는 것이 저의 일입니다.
이 「Seishō -Kami 7 no Uta-」는 Ryōhei Koiso 의 「Seishō」를 연상시키는 작품입니다.
칠복신을 이미지화한 일곱 명의 여성이 오염토로 보이는 흙주머니 위에서 밝게 노래하는 모습이 그려져 있습니다. 의상에 달린 주머니는 55개. 일본에 있는 원전과 같은 수인 듯합니다. 참 많네요.
Rena Yaho
필자만 그런지도 모르지만, Rena Yaho 씨의 독특한 색채 감각은 회화라기보다 영상 모니터에서 나오는 발색처럼 느껴집니다. 선명하고 눈에 확 들어오는 그 색 사용은 다른 데 없는 존재감을 보여 줍니다.
신문을 읽고 정말로 입선했다는 것을 알고 깜짝 놀라, 이유는 잘 모르겠지만 눈물이 났습니다. 너무 기뻐서 앞으로도 열심히 하자고 정말 강하게 다짐했습니다. 제목 「Ubusuna」는 자신이 태어난 땅을 뜻하는 「우부스나(産土)」에서 왔습니다. 스페인 마요르카섬에 머물 때, 산과 공기, 그곳에 있는 것들과 매일 마주하는 사이 자신이 그 땅과 하나가 되는 듯한 신비로운 감각을 그리고 싶다고 생각한 것이 제작의 시작이었습니다. 기본적으로 가까운 것을 모티프로 그리는 경우가 많은데, 스페인에서 먹은 홍합이나 슈퍼에서 사 온 석류 등, 그때의 충격을 잊을 수 없는 것들을 엮어 넣어 그리고 있습니다.
Kōhei Nagasawa
도시 풍경을 주제로 계속 작업해 왔고, 이 작품은 대학 박사과정 수료의 집대성으로 그린 것입니다. 도시의 거리, 건물 하나하나를 그저 이어 그려 나가는 스타일 속에서, 크게 하면 큰 만큼 힘 있는 화면이 된다고 생각해 물리적 환경이 허락하는 한 최대의 크기로 제작했습니다. 일본화 하면 화조풍월이지만, 도쿄에서 나고 자란 저에게는 대자연보다 거리의 풍경이 더 가깝고, 절로 존재하는 것입니다. 도시 계획이 잘 이루어진 곳을 위에서 내려다보면 격자 모양이지만, 거기서 벗어난 주변부가 되면 도시가 제멋대로 뻗어 나가 뒤죽박죽해집니다. 그것은 매우 생물적이기도 하고, 인간이 만들어 낸 ‘자연’이 표상된 부분이 아닐까 느낍니다.
Miwa Nakazawa
운치가 있고 색 사용이 단순한데도 사람을 끌어당기는 힘을 지닌 작품입니다.
학생 시절부터 동경하던 상에 입선할 수 있어 매우 감격했습니다. 이 작품을 그리려던 반년쯤 전에 둘째 아이의 임신을 알게 되었는데, 마침 같은 무렵 어머니가 쓰러지셔서…. 태어나는 것, 죽을지도 모른다는 것, 생명에 대해 절실히 생각해야만 하는 일들이 겹쳐, 앞으로 나아가기 위해서는 지금 느끼는 것을 어떤 형태로든 내놓아야 한다는 절박한 마음이 있었습니다. 그리고 싶어서 그린다는 것이 아니라, 처음으로 주제성을 가지고 자신과 마주하며 그린 작품입니다.
Yukinori Yamamoto
필자도 빠져들었는데, 도록에 대해 언급한 그의 코멘트에 공감이 갔습니다. 이 1엔짜리 동전을 오로지 농담(濃淡)으로 계속 그려 나가고, 그것을 제목에까지 담아낸 재미. 작품 앞에서 저 자신이 가장 많이 움직이게 된 작품입니다.
고교 시절 은사께서 닛케이 일본화 대상전 도록을 보여 주신 것이 미술을 접한 원체험 중 하나입니다. 이번 입선은 기쁨과 함께 앞으로의 창작에 밑거름이 되리라 생각합니다. 프로타주라는 기법을 사용해, 화폐의 최소 단위인 1엔짜리 동전으로 그려 낸 군상은 폐색된 사회 속 인간상을 나타냅니다. 1엔짜리 동전을 나열하는 디지털적인 표현과, 문지르는 아날로그적인 표현을 결합하면서, 지금의 인간은 과연 어디로 향하는가를 생각하며 그린 작품입니다. 멀리서 보면 이 그림에 무엇이 그려져 있는지 알 수 있습니다. 사물을 근시안적으로 파악하지 말고, 물러나 바라보는 것의 소중함도 느껴 주신다면 감사하겠습니다.
Asami Ga
「Moku(침묵)」, 아니 「어둠」이 느껴지는 작품입니다. 그러나 그 어둠은 깊고 복잡해서, 그림자 속에서 색이 나타나는 듯한 리얼리티가 있습니다.
일본화의 장에서 발표할 기회는 적지만, 제 작품은 지금까지 배워 온 동양 미술과 일본화를 바탕으로 하고 있어 이번 입선은 격려가 되고 기쁩니다. 저는 먹이나 컬러 잉크 등을 사용해 드로잉한, 투과성이 있는 얇은 천을 여러 겹으로 겹쳐 하나의 작품을 제작합니다. 천장에서 늘어뜨린 것, 바닥에 놓는 것 등 전시 공간과 호응하도록 만드는데, 이번에는 하나의 화면 안에서 한 폭의 그림으로 구성해 보았습니다. 전시 장소의 조명 설정, 물감과 먹의 색감, 그리고 그림자. 그림자가 만들어 내는 색감과 어둠도 깊이를 자아내는 요소입니다. 그 모두를 고려해 최종적인 형태를 상상하며 제작했습니다.
3년 후의 전시도 기대됩니다.
