The Nikkei Nihonga Grand Prize Exhibition
我探访了每三年举办一次的「The Kaii Higashiyama Memorial Nikkei Nihonga Grand Prize」（东山魁夷纪念 日经日本画大奖）。
该奖由 Nikkei Inc.（日本经济新闻社）于 2002 年创设，旨在表彰肩负下一代美术界的新锐日本画家。虽说是新锐，阵容中却也不乏四五十岁的作家、Tokyo University of the Arts（东京艺术大学）的教授等资深人士，还有多位每届都入选的作家，让人感觉这个奖项的定位与机制尚未完全确立；不过展览相当耐看，是一场不错的展示。※据说参赛资格上限为年满 55 岁。想必也意在扶持大器晚成的作家。
虽然并非全部，但我会介绍部分作家的作品并附上他们的评论；此外，我购买的图录中还收录了推荐人对作品的评论，读来相当有趣（无论褒贬）。
Grand Prize: Takako Asami
大奖奖金高达 500 万日元，是个相当丰厚的奖项。漂亮地夺得这张门票的 Takako Asami，第一印象就是——真厉害啊……她以墨来描绘樱树，却丝毫不让人感到其中的难度，实在高超。在开阔的空间里，樱树的立体感被表现得恰到好处。
接到通知时，我的反应是「真的吗？」，完全没想到会是大奖。我以公园里真实的樱树为题材，但平时多以梅、柿等庭院树木为题材，所以起初对于该如何把这么庞大的对象搬上画面感到不知所措。我反复观察、写生直到有了信心，再以那些草稿为基础，把面对树木时的感受用连续的点来置换、描绘。与梅、柿不同，樱树的枝条纤细而柔韧，因此我以细线和较小的点珍视灰色的层次，同时在留白的处理上也下了功夫。画到一定程度时，画面中仿佛有什么东西浮现出来，于是我珍视着那份感觉将作品完成。
Kaori Aoki
这件作品是我在读研究生时创作的，能像这样再次获得展出机会，我真的很高兴。我原本从事墨、颜料等材料的研究，创作的动机便是探索：如何用这些有限的素材，在二维这一有限的世界里表现出空间与生命。这件作品以能让人直接感受到生物流动感的水母形态为原型，属于名为《Kyōkai（境界）》的系列。作品虽按画面分开，但其实无所谓左右、上下，是一种可以连接到任何地方的构图。我把两幅作为一组，但也刻意留有些许错位，以免过于像成套作品。此外，创作本身不做底子、一气呵成，将经验与偶然性交织在一起来描绘，也是我的主题之一。
Amanatsu Aono
我从策展人那里听说过被推荐的事，但只能说是惊讶。既感荣幸，又觉受之有愧，各占一半。最近我接触到各种媒体的信息，但比起大量输入充斥世间的信息，我渐渐觉得，或许静下心来细读《Kojiki（古事记）》这样的古老故事更有益于自己——或许能更准确地把握男女角色的理解方式、世间的运作机制以及自己的内心。正是出于这份心情，我以《Kojiki》为主题创作了这件作品。我凭想象描绘出 Izanagi 与 Izanami 会是怎样的面容。创作的过程真的非常快乐。
Yuriko Asano
这是我第一次见到 Yuriko Asano 的作品，非常精彩。画面仿佛有生命，带着一种像是在运动的动人感。
作家评论
我原本画油画，与日本画在颜料的用法上也不同，所以对入选感到惊讶。但坦率地说非常开心。我通过采访各地自古以来的生活方式，并以此为基础创作作品。在创作《Okami no Yakushu》时，我特地向东北地区温泉地一位酿制药酒的女将（老板娘）请教做法，还自己动手酿了一次。我把从中获得的亲身体验通过作品表现出来。若这种同时使用油画颜料与日本画岩彩、异质材料相互碰撞的感觉，能作为这片土地的能量与力量得以体现，那就太好了。
Kei Arai
他是 Tokyo University of the Arts 的老师，别说新锐，已然步入资深之列，但看着看着我心想：果然厉害啊，简直太犯规了……我认输。
这是我一改以往画风后发表的作品。去年秋天发表后不久便获得推荐并入选，能像这样被介绍，我非常感激。以前我的表现以图像性的为主，而从这个系列开始，我大胆转向了更偏身体动作的方向，以线条的累积来创作作品。我不打草稿、不写生，把枝条分叉的规律落实到运笔之中，凭身体记住的节奏一路画下去。枝条分叉、扩展、再扩展，直到完全展开为止，便是画面的范围。我只事先确定了顶棚高度，而没有确定画面尺寸，就这样画成了这件作品。
Ryōzō Katō
这是一件横向极长、宛如画卷（绘卷）的作品。它表现出超越人类视野的画角，与其站远了看，不如一边移动一边观赏更有韵味。
我曾被推荐过几次，但入选还是头一回。就年龄而言今年是最后一次机会，所以老实说，喜悦之余更觉庆幸。我开始作画的年代，主流是拓展日本画边界的潮流，人们并不关注日本画的起点。当我把目光投向那一原点时，看到的是并非照实描绘、而是「描绘思想的写实」。那么，这份思想究竟着眼于何处、又在描绘什么呢……深入追溯之后，我抵达的是中国的山水画。我把现实的自然，与并非仅属于个人、而是整个社会的意象一并放大来描绘。
Aya Shiina
这是一件驾驭扭曲并将其化为己用的佳作。采用中庭作为题材，想必也是其取胜的要因。
关于入选，既惊讶又欣喜……惊讶更多一些。这件作品是我走访全国各地尚存的旧时游郭等场所后所画的其中之一。我特意前往那些并非日本画正统意义上美丽、却快被人遗忘的地方作画，一边思考其中蕴含的趣味以及它们存在的意义。把写生直接画成作品后，便呈现出宛如鱼眼镜头般扭曲的感觉。或许，当我看到那座疏于打理、荒草丛生的庭院时，那种仿佛超越时空的印象，无意间以扭曲的形式流露了出来。
Takeshi Tanaka
Takeshi Tanaka 是一位让我预感今后会大放异彩的作家。在他最近于 Kobayashi Gallery 举办的展览中，我也感受到那种把巨大画布显得小巧的作品所具有的力量。
此次创作的《Seishō ～Kami 7 no Uta～》以「难福」为主题，描绘了七名女性在黑色土囊袋上歌唱的情景。
杂草丛生的土囊袋，是正在福岛等地蔓延的污染处理土。它们被称作黑色金字塔，如今开始劣化，土从中漏出，杂草也长了出来。我把这一现状视为「难」，并在其上描绘了以象征「福」的七福神为意象的七名女性。她们所穿的衣服上，有着与日本核电站数量相同的口袋。今后将降临于我们的「福」，全都伴随着这样的「难」，但即便如此，我们仍应能够祈愿「福」——我怀着这样的含义投入创作。
若不惧怕流于暧昧的风险来说，对于核电，我认为不应过度倚赖「左」或「右」这类极端答案，而是一个需要在两者之间不断思考直至死去的问题。在此之中，我并不想借这件作品说「核电是恶！」，更不想说「是善！」，而是想表现出这个被核电包围的世界，以及在接受由此产生的「难」与「福」的同时、不得不继续活下去的现状与觉悟。为了将这份心意化为形态，此次创作的《Seishō ～Kami 7 no Uta～》以 Ōkyo Maruyama 的《Shichinan Shichifuku-zu》为构想之本，同时参照了 Ryōhei Koiso 的《Seishō》、Monument to the Twenty-Six Martyrs of Japan 的《Shōten no Inori》等作品来描绘。
从自身周遭的个人史层面，到笼罩整个国家的社会层面，难与福在微观与宏观中都存在。将其作为绘画来表现，便是我的工作。
这件《Seishō -Kami 7 no Uta-》是一件令人联想到 Ryōhei Koiso《Seishō》的作品。
画面描绘了以七福神为意象的七名女性，在疑似污染土的土囊袋上明快歌唱的情景。服装上缝制的口袋共 55 个，似乎与日本核电站的数量相同。真不少呢。
Rena Yaho
也许只有笔者这么觉得，但 Rena Yaho 那独特的色彩感觉，与其说是绘画，不如说更像影像显示器所发出的发色。那鲜明、夺目的用色，展现出无可替代的存在感。
读报纸得知自己真的入选时，我大吃一惊，虽然自己也说不清缘由，却哭了。我非常高兴，也由衷地强烈决心今后要继续努力。标题《Ubusuna》源自意为自己出生之地的「产土」一词。在西班牙马略卡岛逗留期间，日复一日地与山峦、空气以及那里的一切相对，我渐渐产生一种仿佛与那片土地融为一体的奇妙感觉，想把它描绘出来，这便是创作的开端。我基本上多以身边之物为题材，但也会把那些当时令我难忘、深受冲击的东西，如在西班牙吃到的贻贝、在超市买来的石榴等交织进来描绘。
Kōhei Nagasawa
我一直以都市风景为主题进行创作，这件作品是作为大学博士课程修业的集大成之作而画的。在不断描绘都市街景、把一栋栋建筑逐一排列下去的风格中，我觉得画得越大画面就越有力量，于是在物理环境允许的范围内以最大尺寸进行创作。提到日本画便是花鸟风月，但对于在东京出生长大的我而言，比起大自然，城市的景色更为亲近，是自然而然存在之物。从高处俯瞰规划完善之处，会呈现方格状，但一旦偏离到周边地带，城市便自行蔓延、杂乱无章。那既非常具有生物性，我也觉得那正是人类所创造的「自然」得以表征的部分。
Miwa Nakazawa
这是一件很有韵味、用色虽简却拥有吸引人力量的作品。
能入选这个自学生时代起就憧憬的奖项，我非常感动。在打算创作这件作品的大约半年前，我得知怀上了第二个孩子，而恰在同一时期，母亲病倒了……出生、可能死去、必须认真面对生命的种种交叠在一起，我有一种迫切的感觉：为了继续前行，必须把此刻的感受以某种形式表现出来。这并不是因为想画而画，而是我第一次带着主题性、在与自己对话中画成的作品。
Yukinori Yamamoto
笔者也被深深吸引，对他那段触及图录的评论深有共鸣；把这一枚枚一日元硬币坚持不懈地描绘出浓淡，并将其寄寓于标题之中，别有趣味。这是一件让我自己在作品前动得最多的作品。
高中时代的恩师给我看日经日本画大奖展的图录，是我接触美术的原初体验之一。这次入选，既让我欣喜，也将成为今后创作的养分。我运用名为「拓印（frottage）」的技法，以货币的最小单位——一日元硬币描绘出的群像，表现的是闭塞社会中的人的形象。把一日元硬币罗列排布这种数字式的表现，与摩擦拓印这种模拟式的表现结合起来，我一边思考如今的人类究竟将走向何方，一边创作了这件作品。离远了看，就能看清这幅画描绘的是什么。若能让观者感受到——不要用近视的眼光看待事物，退一步来看同样重要——我将不胜感激。
Asami Ga
这是一件让人感到《Moku（沉默）》、或者说「黑暗」的作品。然而那黑暗深邃而复杂，带着一种仿佛色彩从阴影中浮现而出的真实感。
在日本画领域发表的机会虽然不多，但我的作品以至今所学的东方美术与日本画为基础，因此这次入选对我是一种激励，也让我很开心。我用墨、彩色墨水等在具有透光性的薄布上作画，再将多层叠合，制作出一件作品。我会配合展示空间来创作，有从天花板垂下的，也有置于地面的，而这次我尝试在一个画面中，将其构成为一幅画。展示场所的光线设定、颜料与墨的色泽，以及影子。影子所形成的色泽与暗度，也是营造纵深的要素。把这一切都纳入考量，我一边想象最终的形态一边创作。
也很期待三年后的展览。
