Yokohama Museum of Art
Yokohama Museum of Art에서 열리고 있는 “Monet — Reflections in the Century Since”를 찾았습니다.
전시는 여느 때와 같이 Yokohama Museum of Art다운 기획으로 즐길 수 있었습니다. 특히 이번에는 처음으로 “아트 크루즈”라는 프로그램에 참여해, 동관 주임 학예사인 Shintaro Matsunaga 씨의 해설을 청강한 뒤 전시를 감상했다는 점 또한 인상을 강하게 남긴 요인이라 생각합니다.
Matsunaga 학예사의 알기 쉽고, 잔잔하면서도 뜨거운 화법을 통해 아트 크루즈의 내용을 곁들여, “Monet — Reflections in the Century Since”를 돌아보고자 합니다.
Monet — Reflections in the Century Since
이번 기획은 “모네전”이 아닌, “Monet — Reflections in the Century Since”. 제목대로 “그로부터의 100년”이 키워드입니다.
Yokohama Museum of Art로서는 개관 이래 처음 다루는 모네전이라 합니다. Matsunaga 씨는 “세간의 기획과는 선을 긋고 싶었다. 모네를 감상하면서 모네 이후의 예술과 견줌으로써 모네를 재검증하는 기획“이라고 말했고, 실제로 많은 현대 미술 작품이 출품되었습니다.
타이틀 로고의 “모네”가 큰 폰트로 표현되어 있어 100% 모네의 전시로 착각해 입관하는 관람객도 있을지 모르지만, 작품 점수는 “모네 25점”과 “현대 미술 26작가 66점”이라는 밸런스입니다.
아트 크루즈 7가지 포인트
아트 크루즈는 일반 전시 시간 중에 진행되는 기획이 아니라, 영업시간 종료 후에 편성되는 특별 기획으로, 사전 신청이 필요합니다. 공식 사이트의 양식으로 접수하고 당일 요금을 지불해 참여하는 구조입니다. 아트 크루즈의 포인트는 다섯 가지로, 아래에 정리했습니다.
- 사전 신청 기획
- 선착순 220명 한정(18세 이상)
- 유료 기획: 이번에는 3,500엔(세금 포함)
- 기획 학예사에 의한 강의 1시간 ※이번에는 Matsunaga 주임 학예사
- 아트 크루즈 한정·자유 감상회
- 음성 가이드 대여 없음
- 컬렉션전 관람 없음
포인트는 1시간의 강의로 이해를 심화하고, 통째로 빌린 것과 같은 전시실에서 여유롭게 감상할 수 있는 기획이라는 점입니다. 개최 시간은 17:30~20:30. 일반 요금의 약 2배를 지불해야 하지만, 인기 기획이라 이번에도 회장은 만원이었습니다.
강의
접수와 결제를 마치고 강연장에 입장하면, Matsunaga 학예사가 슬라이드를 활용해 본 기획전의 노림수와 전시의 요점을 이야기해 줍니다.
Matsunaga 학예사의 이야기는 담담하면서도 막힘 없는 해설이지만, 알기 쉽고 애정 어린 어조가 인상적이어서, 정말로 미술을 좋아한다는 사실이 전해져 옵니다.
전시에 관한 코멘트도 박식하며 인출 서랍이 많고 전문성이 높으면서도, 알기 쉬운 평이한 언어로 전달해 줍니다.
작품 감상
강의를 마치고 회장으로 나아갑니다. 전원이 한꺼번에 이동하기 때문에 “분산해 관람합시다”라는 안내가 있고, 각자 4개의 블록으로 흩어졌습니다.
본 전시는 4장으로 구성되어 있는데, 강의 후 Matsunaga 학예사는 회장을 순회(크루즈)하며 각 작품 해설을 하고 관람객의 질문에 답해 주고 계셨습니다.
제1장 ~ 새로운 회화로 일어서는 색채와 필촉
제1장의 키워드는 “필촉 분할”. 물감의 노랑, 초록 등 단일 색을 하나씩 캔버스에 그려 나가는 기법을 말하며,
—화면의 주역이 개별 모티프가 아닌 색채와 필촉 그 자체가 된 작품들이 모여 있습니다.
“관람자의 망막에서 색이 섞인다”는 것이 Matsunaga 학예사의 표현인데, 실로 그대로입니다! 섞이는 방식은 사람마다 다르겠지만, 스테이닝 기법으로 유명한 Naofumi Maruyama의 「puddle in the woods 5」를 예로 들어 설명했습니다. Naofumi Maruyama 본인은 “특별히 모네를 의식하지는 않는다, 좋아하긴 하지만”이라 했고, 그럼에도 보편적으로 영향을 받고 있다는 점을 지적했습니다.
필촉 분할에 의해 화면 전체가 혼연일체가 되어 갑니다. 윤곽이 사라짐으로써 전체를 받아들이는 재미가 있네요.
일전에 열린 Naofumi Maruyama 개인전은 아래 기사에 정리해 두었습니다.
제2장 ~ 형체 없는 것에 대한 시선 빛, 대기, 물
제2장은 “덧칠에 의한 공간 표현”이 키워드. 모네의 유명한 “런던 시리즈” 회화를 기점으로, 풍경의 추상화, 이행과 순간성의 표현, 회화 고유의 공간 표현 탐구 등의 테마로 현대 미술을 소개하고 있습니다.
스테이닝으로 표현한 Morris Louis 「Wine」이나 스퀴지(헤라)를 사용해 색의 적층을 보여 주는 Gerhard Richter 「Abstract Painting (CR845-8)」은 박력이 있어 만끽할 수 있었습니다.
제3장 ~ 모네에 대한 오마주 다양한 “인용”의 형태
제3장은 “오마주”라는 주제로, 모네의 회화에서 직접 영감을 얻은 현대의 작품군을 소개하며, 그 각각의 창작 안에서 모네에 대한 공명과 계승을 발견해 나가는 기획입니다. 알기 쉬움을 의식한 전시로 보이며, “수련 시리즈”를 중심으로 다양한 현대 미술 작품이 모여 있었습니다.
그중에서도 Miran Fukuda는 오하라 미술관(구라시키) 안뜰의 연못에 떠 있는 수련을 모티프로 삼아, 수련과 수면의 반사가 겹쳐지는 광경을 그려냈습니다. 그 “이미지의 중층”이라는 주제는 뒤에 소개할 신작 “수련의 연못” 시리즈에도 계승되어 갑니다.
제4장 ~ 프레임을 넘어서 확장하는 이미지와 공간
제4장의 키워드는 “이미지와 공간의 확장”입니다. 수련 시리즈에는 다음 두 가지 특징이 있습니다.
- 서로 다른 이미지의 중층이 만들어 내는 반원근법적 화면
- 구도의 파편화와 여러 점의 병렬이 가져오는 공간의 확장
풍경화로부터의 탈피, 그리고 인스톨레이션적 지향이라는 모네 후기의 특징 속에서, 그는 프레임 바깥에까지 미치는 이미지를 안겨 주는 구도를 구축하고 있었습니다.
Andy Warhol의 「Flowers」는, 갤러리에 도배하듯 전시한 방식 자체가 모네를 의식한 결과라는 이야기도 있었습니다. 본 전시에서도 작품을 어느 방향으로 걸어도 좋다는 규칙에 따라 전시되어 있었던 듯합니다.
여기서 인상적이었던 것은 Miran Fukuda의 작품 「수련의 연못」과 그 연작으로 Yokohama Museum of Art에서만 특별 출품된 「수련의 연못 아침」입니다.
둘 다 모네 작품을 현대판답게 재해석해 “인공의 빛”이나 “유리면”을 도입한 작품입니다. 해석은 단순하지만, 캔버스에서 발산되는 압도적인 에너지가 느껴져, 작품에 흡수된 듯한 상태로 대면할 수 있었습니다. 두 작품 모두 모네가 걸어온 화업의 변화를 표현하는 듯하며, 볼거리가 많고 매우 깊은 인상을 남긴 작품이었습니다.
※아래 이미지는 중앙의 포인터를 좌우로 슬라이드해 비교하는 것입니다. 두 작품을 대비하며 즐기는 것도 재미있지요.
※Miran Fukuda 「수련의 연못」은 전시 개시 때 전시가 결정되었고, 「수련의 연못 아침」은 그 이후에 제작이 시작된 관계로 나고야전에는 시간에 맞지 않아 도록에도 게재되지 않았습니다.
정리
전시 작품을 여유롭게 통째 빌린 듯한 상태에서 감상하며, 표현이 적절하지 않을지 모르지만, 이 전시는 “모네를 미끼로 삼은 현대 미술전이 아닐까!” 하는 생각을 하게 되었습니다.
“모네를 의식해 그린 작가만 모은 것이 아니다. 작가가 자각하지 못해도 모네가 재현되고 있다”는 Matsunaga 학예사의 이야기 그대로, 모네가 개척한 회화 기법과 사상이 확실히 오늘날에 뿌리내리고 있음을 실감할 수 있었습니다. “모네를 보는 시선으로 현대 미술을 감상하며, 매력을 재발견해 주었으면 합니다”라는 말에서 알 수 있듯, 이 전시에는 대단히 알기 쉬운 “현대 미술 즐기기 강좌”라는 요소가 담겨 있는 듯합니다.
