Bio Art(바이오아트)
생명을 주제로 삼는 예술 “Bio Art”가 최근 젊은 작가들을 중심으로 주목받고 있는 듯합니다. 얼마 전 게이사이(@ Tokyo University of the Arts)의 전시 작품에서도 그러한 경향이 보였습니다.
이번에 소개할 “2018년의 프랑켄슈타인 — 바이오아트로 보는 오늘의 예술과 과학, 그리고 사회”는 Yosuke Takahashi(21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa 큐레이터)의 큐레이션으로 개최된, 바이오아트 작가 9인의 기획전입니다.
영국 소설가 메리 셸리가 “프랑켄슈타인”을 발표한 지 2018년으로 200년이 된다. 생명의 수수께끼를 밝혀낸 과학자 빅터 프랑켄슈타인이 죽은 자의 조각들을 이어 붙여 만들어낸 괴물은, 이후 수백에 이르는 예술 작품의 주제가 되어 왔다. 그러나 이 소설이 제기한 “피조물의 창조주에 대한 반란”, “신을 대신해 생명을 창조하는 일의 대가”, “성과 생식의 분리”와 같은 문제들은, 인공지능과 줄기세포 등에 얽힌 기술이 비약적으로 발달하는 오늘날, 낡기는커녕 오히려 더욱더 동시대적인 것이 되고 있다.
따라서 본 전시에서는 “프랑켄슈타인”이 제기한 문제에 초점을 맞추어, 그중에서도 오늘의 예술과 통저하는 주제 — “부활”, “인류세”, “생명정치” — 를 바탕으로 9인 작가의 작품을 선정했다. 한 줌에 지나지 않는다 하나, 이 자리에서 소개되는 5개국 작가들의 작품 속에는 “저작물로서의 생물”, “단백질로 만든 조각”, “인류세 예술의 원점으로서의 대지예술”과 같이 예술의 표현 매체와 역사, 제도에 얽힌 새로운 문제군이 응축되어 있다.
본 전시는 근년, 세계적으로 융성을 시작한 예술의 새로운 조류 “Bio Art”의 최전선의 한 자락을 소개하는 것이지만, 바이오테크놀로지나 생명과 관계가 있으면 무엇이든 “Bio Art”라고 부르는 식의 형식적인 분류나 표면적인 이해에 편승하는 것은 아니다. 오히려 작가들이 선택한 각각의 표현 매체가 오늘의 역사와 사회의 맥락 속에서 어떤 의미를 낳고, 그 의미를 넘어서는 것을 어떻게 그 안에 품고 있는지를 오늘의 시각에서 되묻는 시도이기도 하다.
본 전시가 생명 창조의 우화가 현실이 되어 가고 있는 시대에 새로운 예술의 가치를 자리매김하기 위한 실마리가 되고, 그 미래를 조금이나마 느끼게 할 수 있다면 그보다 더한 기쁨은 없다.Yosuke Takahashi 본 전시 기획 / 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa 큐레이터
※굵은 글씨는 본 기사 필자가 편집한 것.
2018년의 프랑켄슈타인
본 전시 “2018년의 프랑켄슈타인 — 바이오아트로 보는 오늘의 예술과 과학, 그리고 사회”는 아래 9인이 참여한 그룹 기획전입니다.
Tina Gorjanc
패션계의 귀재 알렉산더 맥퀸의 피부를 줄기세포 기술로 재생시켜 “패션의 소재”로 삼는 프로젝트 《Pure Human》. 런던을 거점으로 활동하는 디자이너 Tina Gorjanc가 발표한 작품입니다.
마치 인간의 피부 같은 가죽 재킷은 맥퀸의 체형과 점, 주근깨, 심지어 문신까지 돼지 가죽으로 정교하게 재현한 시작품이지만, 실제로 DNA를 채취해 줄기세포에 이식하여 피부를 만들어 내는 프로젝트에 대해서는 맥퀸의 《Jack the Ripper Stalks His Victims》(1992년 / 작가의 머리카락을 엮어 넣은 드레스)의 소유자가 동의한 상태입니다.
“프랑켄슈타인 패션”이라 야유받은 이 작품은, 유품과는 다른 형태로 “죽은 자를 몸에 두른다”는 일의 의미를 묻고, 바이오테크놀로지가 낳는 패션의 새로운 페티시즘의 도래를 예고합니다.
Mami Hirano
전시실 중앙에 누워 있는 빈사 상태의 유니콘은 본 전시의 최연소 작가 Mami Hirano가 2014년부터 이어 오고 있는 《Resurrecting Unicorn(되살아나는 유니콘)》입니다.
신화상의 생물이어야 할 “유니콘”을, 그 골격과 장기, 혈관, 피부 등 다양한 부위로부터 제작해 마치 실재하는 것처럼 만들어 냈습니다.
진화론은 신이 인간을 만들었다는 종교적 서사를 무너뜨렸고, 용이나 요괴 같은 존재를 미신으로 바꾸었지만, Hirano는 도리어 그러한 상상 속의 존재를 회복하려 시도합니다. 빈사 상태로부터 되살아나려는 유니콘은, 지금 사라져 가는 전근대의 마술성이 합성생물학과 인공지능 등 과학기술이 고도로 복잡해지며 마치 마법처럼 되어감으로써 현대에 되살아나고 있음을 훌륭히 은유합니다.
Diemut Strebe
반 고흐가 잘라낸 왼쪽 귀를 살아 있는 상태로 복원한 Diemut Strebe의 작품 《Sugababe》.
“단백질로 만들어진 조각”이며, 말을 걸면 신경 임펄스를 모방한 소리가 실시간으로 생성되는 구조를 갖고 있습니다. 2014년 독일 ZKM에서의 전시에서는 언어학자 노엄 촘스키가 귀에 말을 거는 퍼포먼스를 진행했고, 그 영상은 BBC와 CNN 등에서 보도되며 세계적인 화제가 되었습니다.
부계의 5대손 Lieuwe van Gogh가 제공한 연골 세포에, 모계 후손의 타액에서 추출한 미토콘드리아 DNA를 도입해 만들어 낸 반 고흐의 귀는 “타자의 조각들로부터 합성된 신체는, 설령 죽은 자와 동일한 DNA를 지닌 세포라 할지라도 본인의 것이라 할 수 있는가”라는 프랑켄슈타인적 역설을 제시하며, 거스를 수 없는 운명으로서의 “죽음”이라는 관념을 흔들어 놓습니다.
AKI INOMATA
후쿠시마현 소마시에서 채취한 바지락 조개 껍데기의 성장선을 통해 3.11 이전과 이후의 환경 변화를 읽어 내는 《LINES — Listening to the Growth Lines of a Shell》, 그리고 패션 브랜드의 의류로 집을 짓는 도롱이벌레를 작품화한 《girl, girl, girl,,,》 등, AKI INOMATA는 인공환경 속에서 살아가는 생물을 인간의 본질을 비추는 거울로 삼아 왔습니다.
Art Fair Tokyo 2018의 ASIAN ART AWARD에서도 훌륭한 작품을 선보였고, 본 전시에서도 파트너인 활기찬 소라게가 좋은 활약을 보여 주었습니다.
Robert Smithson
Robert Smithson의 《Glue Pour》는 급경사에 오렌지색 공업용 접착제를 흘려보낸 작품으로, 인공물에 의한 마그마의 의태이자 모더니즘 추상회화의 희화이기도 합니다.
동시에, 독성이 높은 인공물이 자연을 잠식해 가는 이 작품은 숭고한 자연이 몰락하고 불순해져 가는 모습을 포착한 “인류세” 여명기의 예술로 자리매김할 수 있습니다. 1969년의 작품.
Mark Dion
Mark Dion은 타르에 잠긴 새의 조각이나 기형화된 새의 사진 등, 알기 쉬운 임팩트를 지닌 표현 방식을 취하는 작가입니다.
사회의 부를 증대시키려 과학기술로 자연을 지배하는 일이 오늘의 환경오염을 유발하고 있음을 은연중에 시사합니다.
Sae Honda
Sae Honda는 하와이 해안에서 발견된 “플라스티글로머리트”(열로 녹은 플라스틱과 화산암, 해변의 모래, 조개껍데기 등이 뒤섞여 생긴 신종 광물)에서 착상을 얻어, 길가에서 주운 플라스틱을 녹이고 갈아 유일무이의 인공석으로 변모시킵니다.
Heather Dewey-Hagborg
길모퉁이에 떨어진 머리카락이나 담배꽁초에서 DNA를 채취해, 떨어뜨린 본인의 얼굴을 복원하는 Heather Dewey-Hagborg 《Stranger Visions》.
자신도 모르는 사이에 주변에 흩뿌리고 있는 DNA로부터 때로 본인조차 모르는 개인정보를 이끌어 낼 수 있음을 시사한 작품입니다. 이 기술은 미국 국방부의 개발 지원 아래 이미 실용화된 것으로 보입니다.
스스로 만들어 낸 기술에 관리당하는 상황을 묻는 작품입니다.
BCL
2018년 BCL이 발표한 《BLP-2000B: DNA Blacklist Printer》는, 인간이 애초에 과학기술을 제어할 수 있는가라는 근본적인 물음을 던지는 작품입니다.
바이오 기업이 합성을 금지하고 있는 DNA 배열만을 생성하고 인쇄하는 이 작품은, 생명을 간이하고 저렴하게 편집할 수 있는 현 상황을 제시하며, 우리는 어떤 미래를 선택해야 하는가라는 논의를 촉구합니다.
정리
한 마디로 “Bio Art”라 해도, 그 해석과 표현 방식은 매우 다양합니다.
작품을 마주하면 흠칫하기도 하고, 깊이 생각하게 되기도 하고, 고개를 끄덕이게 되기도 합니다……. 훌쩍 들러 가볍게 즐기는 예술은 결코 아닙니다. 작가들이 깊이 사유해 만들어 낸 듯한 작품들이며, 마음을 다잡고 감상할 것을 요구받는 듯합니다.
예술이 직접적으로 사회와 연결되어 기능하고 있음이 눈에 보이는 전형적인 모델처럼 느껴졌습니다.
오모테산도 한복판에서 열리고 있는 만큼 젊은 관람객도 많이 찾아왔다는 점을 포함해, 매우 의미 있는 전시라고 느꼈습니다.
