Nanae Mitobe “DEPTH -Blue Pigment-“
Nanae Mitobe의 개인전 “DEPTH -Blue Pigment-“가 열리고 있는 “gallery N”을 방문했습니다. 위치는 나고야 모토야마역에서 도보 7~8분 거리에 있습니다.
Nanae Mitobe는 얼굴을 모티프로 삼아, 대담한 물감의 사용이 특징인 젊은 작가입니다.
지난해 유럽으로 건너가 수백 장의 새 스케치를 그렸다.
귀국 후 그 스케치 수십 장을 타블로로 옮겼다.
그러나 나는 새를 그리고 싶었던 것이 아니라, 저 푸른 하늘을 그리고 싶었던 것은 아닐까.
나는 충동적으로 1년 넘게 완성하지 못한 채 씨름하던 얼굴 그림 위에 푸른 안료를 부었다.
그러자 내가 집착해 온 그 얼굴은 푸른 안료에 의해 하늘의 풍경과 하나가 되어 자연스레 대체되었다.
이 푸른색으로 인해 내가 남긴 붓과 나이프의 자취는 완전히 보이지 않게 되었지만, 저 푸른 하늘, 깊이감 있는 짙은 파랑이 화면 위에 나타났다.
하늘을 바라볼 때 먼 산이 푸르게 보이듯, 그 푸른 그림은 나로부터 멀어져 가는 듯 보였다.
푸른색의 또 다른 의미는 타박상의 푸른 멍이며, 때로 그 멍은 노랗게, 요염한 보라색으로 변하고, 피부 안쪽에서 희미하게 초록이 비쳐 보인다.
페트병을 쥐면 손바닥이 잎맥처럼 붉게 물든다.
푸른 대리석과 금색 반지가 내 머리카락을 잘라낸다.
여행 짐을 가방에 채우는 감촉이 느껴지지 않는다. — Nanae Mitobe
필자가 주목한 작품이 바로 이 《DEPTH BLUE》. 복잡한 파랑의 조합이 대단히 아름다운 작품이었습니다.
마천 캔버스의 질감이 좋고 균형감이 뛰어난 인상입니다. 붓 자국이 관람자 쪽으로 밀어붙이듯 다가와 강렬함이 가득합니다. 반면 미적 완성도도 높아, 보는 순간 “바로 이것이다!” 하고 다가오는 작품(판매 완료).
이 작품을 구입한 이는 Takahashi Collection으로 알려진 Ryutaro Takahashi 씨. 전시 작품 수가 많지 않은데 그중 두 점을 독차지하다니… 하고 살짝 볼멘소리를 하고 싶어지지만, 좋은 작품을 잘도 골라 소장한다며 솔직히 감탄하게 됩니다.
DM에 실린 작품은 정면에서 보면 평면적이지만, 가까이에서 보면 입체 작품이라 해도 좋을 만큼의 두터운 임파스토였습니다. ※회화 작품의 제목은 모두 《DEPTH BLUE》입니다.
옆에서 보면 상당히 두꺼운 두께임을 알 수 있습니다.
물감을 짜내는 행위를 반복해, 붓을 잡지 못할 정도로 지칠 만큼의 양을 사용한다고 합니다(현재는 제조사로부터 특별한 형태로 공급받아 효율화되어 있다고 합니다).
물감의 취급은 어디까지나 “회화”라는 관점에서, 붓과 나이프로 물감을 정성껏 캔버스 위에 올리는 방식이라고 합니다. 손으로 쌓으면 간단할 텐데… 하는 식이 아닙니다.
Nanae Mitobe의 고집은 물감 선택에도 드러나, 층층이 쌓인 가장 아래층에도 자신이 고른 물감을 사용한다고 합니다. “중국산 같은 저렴한 물감을 쓰면 좋을 텐데”라는 주변의 조언에도 귀 기울이지 않습니다. 사용량이 많은 만큼 물감비 지출은 상당한 금액이라고 합니다.
이번 개인전의 테마 컬러이기도 한 “파랑”이지만, 작품마다 다양한 파랑을 맛볼 수 있었습니다.
갤러리에서는 작품의 크기에 따라 가격이 변동되는 것이 일반적이지만, 이 전시에서는 물감 사용량에 따라 가격이 정해지는 방식이었습니다. 이 정도 양을 쓰면 그렇게 되는 것도 필연이겠지요.
두 점의 《DRAWING》은 이전에 제작된 작품으로, 이번 개인전에서 처음 공개하기로 결정한 작품이지만 판매되지 않았습니다.
전시 점수는 제한적이었지만, 작품의 힘이 강해 훌륭한 개인전이었습니다.
물감의 사용법이 강렬해, 제작의 배경과 이면을 알고 싶어졌습니다.
아마도 평평하게 눕혀 제작할 것으로 보이는데, 캔버스를 세웠을 때 생겨날 긴장감도 있을 것 같습니다.
회화라는 행위를 통해 입체가 조형되는 작품은, 물감과 캔버스의 중력적 관계로 의식이 향하게 됩니다. 통상적인 회화의 영역을 넘어서는 듯한, 신비로운 관람 감각이 있었습니다.
앞으로의 활약도 주목하고자 합니다.
