Artist’s Note | Goyoung, A Hidden Realm — The Artist’s Own Text

Substratum은 이번 전시의 모든 내용을 아우르는 대표작이다. 이번 전시에서 큰 주제가 되는 대지와 해양, 그리고 그 모든 존재를 비추는 빛의 감각을 하나의 장면으로 응축한 작업이다. 땅과 하늘, 바다라는 익숙한 경계가 뒤집히고 뒤섞인 채 공존하는, 현실의 표면 너머 어딘가에 존재할 법한 세계를 상상하며 시작되었다. 화면을 이루는 형상들은 대지와 토양, 식물과 생명체 등 현실 세계에서 발견한 자연 만물의 파편에서 출발한다. 그러나 이들은 본래의 장소와 질서에서 떨어져 나와 서로 얽히고 중첩되며 새로운 생태계를 형성한다.

Substratum is the work that draws together everything in this exhibition. It condenses into a single scene the earth and the ocean, the major themes of the show, together with the sense of light that falls on every existence within them. It began as an attempt to imagine a world that might exist somewhere beyond the surface of reality, where the familiar boundaries of land, sky and sea are overturned and coexist in a mingled state. The forms that make up the picture start from fragments of the natural world found in reality: earth and soil, plants and living creatures. Yet they have come away from their original places and their original order, and as they entangle and overlap one another they form a new ecosystem.

화면은 땅 속 깊은 곳의 뿌리와 생태계로 보이는 동시에 바다속을 연상시킨다. 또한 하늘과 땅이 전복된 공간으로 느껴지기도 한다. 이런 모호함을 통해 우리가 세계를 구분하는 경계가 사라진 상태를 그리고자 했다. 땅과 바다, 식물과 동물, 생명과 무생물처럼 서로 분리되어 있다고 여겨지는 것들이 사실은 하나의 세계를 구성하는 물질이며, 끊임없이 다른 형태로 뒤섞이고 순환하고 있다.

The picture reads at once as roots and an ecosystem deep underground and as something recalling the bottom of the sea. It can also feel like a space in which sky and ground have been inverted. Through that ambiguity I wanted to depict a state in which the boundaries by which we divide the world have disappeared. Land and sea, plant and animal, the living and the inanimate: things we take to be separate from one another are in fact the matter that composes a single world, endlessly mixing into other forms and circulating.

그 안에서 새를 닮은 형상은 화면 어딘가를 주시한다. 그것은 특정한 생명체라기보다 이 낯선 세계를 관조하는 존재이자, 세계 곳곳에 깃든 어떤 영혼의 흔적처럼 자리한다. 이 시선으로 인해 풍경은 단순히 버려진 파편들이 모인 장소가 아니라, 스스로 감각하고 살아 움직이는 하나의 유기체처럼 변한다.

Within it, a bird-like form gazes at some point in the picture. Rather than a particular creature, it is a presence contemplating this unfamiliar world, and it sits there like the trace of some spirit dwelling throughout it. Because of that gaze, the landscape changes from a place where discarded fragments have merely gathered into a single organism that senses for itself and is alive and moving.

제목 Substratum은 표면 아래에 놓인 '기층', 혹은 어떤 존재를 성립시키는 근원적인 토대를 의미한다. 내가 상상한 것은 우리가 발 딛고 있는 세계의 아래, 보이는 표면 너머에 잠재된 또 하나의 세계이다. 그곳에서는 현실에서 분리되어 있던 존재들의 경계가 느슨해지고, 흩어진 파편들이 다시 관계를 맺는다. Substratum은 그렇게 세계의 밑바닥에서 서로 다른 존재들이 하나의 풍경으로 합일되는 순간, 혹은 아직 이름 붙여지지 않은 세계의 원형을 그려낸다.

The title Substratum refers to the stratum that lies beneath the surface, or to the fundamental ground on which an existence is established. What I imagined was another world latent beneath the world we stand on, beyond the visible surface. There the boundaries between beings that had been separated in reality grow loose, and scattered fragments enter into relationships once more. Substratum depicts that moment at the bottom of the world when different beings are united into a single landscape, or the archetype of a world that has not yet been named.

화면에는 가재와 물고기처럼 해양을 연상시키는 생명체들이 등장하지만, 그 사이에는 날개를 지니고 있는 형상이 함께 존재한다. 절벽이나 암석처럼 보이는 표면은 동시에 깊은 바닷속의 지형처럼 느껴지고, 물과 땅의 이미지가 서로 침투하며 하나의 불분명한 공간을 만들어낸다.

Creatures that recall the ocean, like crayfish and fish, appear in the picture, and among them there are also forms that have wings. Surfaces that look like cliffs or rock feel at the same time like the topography of the deep sea, and images of water and of land permeate one another to produce a single indeterminate space.

서로 다른 장소에 속해 있을 법한 존재들은 이곳에서 자연스럽게 한데 모인다. 그들은 어느 한 방향을 향해 움직이는 듯하면서도 명확한 목적지에 도달하지 않고, 화면 안을 천천히 맴돌고 유영한다. 몇몇 형상은 같은 곳을 응시하는 것처럼 보이지만, 그 시선의 끝에 무엇이 있는지는 드러나지 않는다. 이 미묘한 방향성은 화면 안에 보이지 않는 중심이 존재하는 듯한 감각을 만든다.

Beings that would seem to belong to different places gather naturally together here. They appear to move in a single direction and yet never reach any clear destination, circling slowly and drifting within the picture. Several of the forms look as though they are staring at the same point, but what lies at the end of that gaze is never revealed. This subtle sense of direction creates the feeling that an invisible centre exists inside the picture.

나는 이 풍경이 구체적인 장소로 확정되기보다, 바닷속이면서 절벽이고 동시에 어느 곳에도 완전히 속하지 않는 공간으로 남기를 바랐다. 물속을 헤엄치는 것인지, 땅 위를 이동하는 것인지조차 모호한 채 생명체들은 서로의 주변을 지나고, 모이고, 다시 흩어진다. 서로 다른 세계에서 온 파편들은 그렇게 잠시 같은 흐름 안에 놓인다.

Rather than have this landscape settle into a specific place, I wanted it to remain a space that is underwater and a cliff at once, and at the same time belongs completely nowhere. Without it even being clear whether they are swimming through water or moving over land, the creatures pass by one another, gather and scatter again. Fragments that have come from different worlds are placed, for a while, within the same current.

제목 Returning Without Arrival은 돌아가고 있지만 끝내 도착하지 않는 움직임을 암시한다. 이들에게 돌아간다는 것은 반드시 이전의 장소로 되돌아가는 것을 의미하지 않는다. 어쩌면 끊임없이 이동하고 순환하는 과정 자체가 하나의 귀환일 수 있다. 작품은 도착점이 사라진 세계에서 서로 다른 존재들이 같은 방향을 감지하고 그 주변을 유영하는 순간을 그린다.

The title Returning Without Arrival suggests a movement that is going back and yet never arrives. For these beings, returning does not necessarily mean going back to a previous place. Perhaps the very process of moving and circulating without end is itself a kind of return. The work depicts the moment when, in a world whose destination has disappeared, different beings sense the same direction and drift around it.

Ripening은 무언가가 내부에서 천천히 차오르고, 익어가며 다른 상태로 변화하는 순간을 상상하며 시작한 작업이다. 화면 속 형상들은 식물이나 열매, 곤충과 조직처럼 익숙한 생명체의 일부를 떠올리게 하지만, 어느 하나의 대상으로 명확하게 규정되지는 않는다. 서로 다른 파편들은 흘러내리고, 매달리고, 표면을 뚫고 자라나는 듯한 모습으로 뒤엉키며 하나의 낯선 생태를 만들어낸다.

Ripening began as an attempt to imagine the moment when something slowly fills from within, ripens and shifts into another state. The forms in the picture bring to mind parts of familiar living things such as plants, fruit, insects and tissue, but none of them is clearly defined as any one object. Different fragments entangle in ways that seem to flow down, to hang, and to grow up through the surface, producing a single unfamiliar ecology.

'익는다'는 것은 완성을 향해가는 과정인 동시에, 가장 충만해진 상태에서 곧 다른 형태로 넘어가게 되는 순간이기도 하다. 열매가 익은 뒤 떨어지고 부패하여 다시 토양의 일부가 되듯, 자연에서 성숙과 소멸은 서로 분리된 사건이 아니라 하나의 순환 안에 놓여 있다. 화면의 짙은 붉은색과 유기적인 형상들 역시 풍요롭고 생명력 있는 동시에 어딘가 과잉되고 기이한 감각을 품고 있다.

To ripen is both a process moving toward completion and the moment when, at its fullest state, something is about to pass over into another form. Just as fruit falls after ripening, decays and becomes part of the soil again, in nature maturity and disappearance are not separate events but lie within one cycle. The deep red of the picture and its organic forms are likewise abundant and full of life while also holding something excessive and strange.

제목 Ripening은 이러한 변화의 중간 상태를 가리킨다. 아직 완전히 도달하지도, 사라지지도 않은 채 내부에서 계속해서 변화가 진행되고 있는 시간이다. 이 작품에서 생명은 고정된 형태로 존재하기보다 자라고, 익고, 흘러내리고, 다시 다른 무언가가 되어가는 과정으로 나타난다.

The title Ripening points to this intermediate state of change. It is a time in which nothing has fully arrived and nothing has yet vanished, while change continues inside. In this work, life appears less as something existing in a fixed form than as a process of growing, ripening, flowing down and becoming something else again.

The Unfinished Habitat은 인간의 세계에서 발견한 비생물적 파편들을 조합하며 만들어진 네 점의 연작이다. 건축물과 음식, 옷의 주름, 사물의 표면 등 일상에서 수집한 이미지들은 본래의 맥락에서 벗어나 서로 결합하며 낯선 풍경을 만들어낸다. 흥미롭게도 인간의 흔적으로 구성된 이 장면은 오히려 무너져가는 건축물이나 폐허, 혹은 아직 생명이 정착하지 않은 행성처럼 황폐하고 불완전한 모습으로 나타났다.

The Unfinished Habitat is a series of four works made by combining non-living fragments found in the human world. Images collected from everyday life, such as buildings and food, the folds of clothing and the surfaces of objects, break away from their original contexts and combine with one another to produce an unfamiliar landscape. Interestingly, this scene composed of human traces appeared instead as something desolate and incomplete, like a crumbling building or a ruin, or like a planet on which life has not yet settled.

이상과 현실 사이에서 끊임없이 번민하며, 현실의 파편들을 재조합해 내가 염원하는 이상적인 장면에 가까워지고자 했다. 그러나 그 과정 끝에 나타난 것은 완전하고 조화로운 세계라기보다 황폐함과 생명력이 기묘하게 공존하는 풍경이었다. 무너지고 소멸해가는 듯한 공간 속에서도 무언가는 끊임없이 움직이고 다른 가능성을 향해 나아간다. 결국 이 작업은 이상을 향한 염원과 현실의 불완전함, 소멸과 생성이 동시에 뒤엉켜 있는 하나의 혼돈적인 장면으로 남게 되었다.

Agonising continually between the ideal and the real, I tried to recombine fragments of reality in order to come closer to the ideal scene I longed for. What emerged at the end of that process, however, was not a complete and harmonious world but a landscape in which desolation and vitality strangely coexist. Even within a space that seems to be collapsing and disappearing, something moves ceaselessly and advances toward another possibility. In the end this work remained a single chaotic scene in which longing for the ideal, the incompleteness of reality, disappearance and generation are all entangled at once.

네 개의 화면에 반복적으로 등장하는 구(球)는 달걀노른자의 둥근 파편에서 출발했다. 그러나 원래의 맥락에서 떨어져 나온 구는 더 이상 하나의 대상으로 규정되지 않는다. 알이나 구슬이 될 수도, 인간이나 생명의 흔적으로 읽힐 수도 있다. 정지된 듯한 풍경과 달리 구들은 화면 곳곳을 떠돌며 다른 장소를 찾아 이동하는 방랑자처럼 존재한다. 황폐한 공간 속에서도 이들의 움직임은 미세한 생동감과 아직 소멸하지 않은 가능성을 만들어낸다.

The spheres that appear repeatedly across the four pictures began from the round fragment of an egg yolk. Once removed from its original context, however, the sphere is no longer defined as any one object. It could become an egg or a bead, and it can also be read as a trace of a human being or of life. Unlike the landscape, which appears to be at a standstill, the spheres wander across the pictures and exist like vagrants moving in search of another place. Even within a desolate space, their movement produces a faint animation and a possibility that has not yet disappeared.

전시장에서 이 작품은 자연의 파편으로 이루어진 Substratum과 마주한다. 두 작품은 각각 인간과 자연이라는 서로 다른 세계에서 출발하지만, 결국 하나의 공간 안에서 서로 얽혀 존재한다. 자연과 인간을 대립시키기보다, 서로 다른 존재들이 같은 세계를 구성하며 끊임없이 영향을 주고받는 두 개의 풍경으로 바라볼 수 있다.

In the gallery this work faces Substratum, which is made of fragments of nature. The two works set out from different worlds, the human and the natural, but in the end they exist entangled with one another within a single space. Rather than setting nature and humanity in opposition, they can be seen as two landscapes in which different beings compose the same world and continually affect one another.

이번 전시에서 반복해서 등장하는 무언가의 존재들은 서로 다른 환경과 세계에서 출발하지만, 주변의 것들과 관계를 맺으며 새로운 형태와 장소를 만들어간다. Shelter는 그 흐름 속에서, 흩어진 것들이 서로 얽혀 하나의 작은 세계를 이루고 그 안에서 무언가를 품고 지키려는 모습을 상상하며 시작한 작업이다.

The presences that appear repeatedly in this exhibition set out from different environments and different worlds, yet they enter into relationships with what surrounds them and go on making new forms and new places. Shelter began as an attempt to imagine, within that current, scattered things entangling with one another to form one small world, and trying to hold and protect something inside it.

화면의 중심에는 둥지처럼 응축된 형태와 그 위를 감싸듯 자리한 형상이 존재한다. 그것은 특정한 생명체라기보다, 자신의 안쪽에 있는 무언가를 보호하고 보살피는 존재처럼 보인다. 주변의 붉고 거친 표면과 뒤엉킨 선들이 끊임없이 변화하는 환경을 연상시키는 가운데, 중심의 형상들은 서로에게 기대어 하나의 작은 영역을 만들어낸다.

At the centre of the picture there is a form condensed like a nest, and above it a shape that seems to wrap around it. Rather than a particular creature, it looks like a presence protecting and caring for something within itself. While the rough red surface around it and the tangled lines recall an environment in constant change, the forms at the centre lean on one another and produce one small territory.

이곳의 둥지는 완전히 안전하거나 외부와 단절된 장소라기보다, 주변의 파편들을 끌어모아 불완전하게 만들어진 임시적인 안식처에 가깝다. 서로 다른 것들이 모여 하나의 자리를 이루고, 그 안에서 다시 무언가를 품고 살아갈 가능성이 만들어진다. 무엇이 보호하고 무엇이 보호받는지, 어디까지가 하나의 생명이고 어디서부터 그것을 둘러싼 환경인지 그 경계 역시 분명하지 않다.

The nest here is less a place that is entirely safe or cut off from the outside than something close to a temporary resting place, made imperfectly by drawing together the fragments around it. Different things gather to form a single site, and within it the possibility arises of holding something again and going on living. What protects and what is protected, how far a single life extends and where the environment surrounding it begins, are boundaries that are likewise not clear.

자연에서 발견되는 둥지와 인간이 만들어내는 거처의 모습은 이 장면 안에서 희미하게 겹쳐진다. Shelter는 자연과 인간 어느 한쪽에 속하는 풍경이라기보다, 서로 다른 존재들이 세계 안에서 관계를 맺으며 머물고, 품고, 지키기 위한 작은 영역을 만들어가는 원초적인 모습을 담고 있다.

The nest found in nature and the form of the dwelling that human beings make overlap faintly within this scene. Rather than a landscape belonging to either nature or humanity, Shelter holds the primordial image of different beings entering into relationships within the world and making a small territory in which to stay, to hold and to protect.

이 작업은 빛을 직접 재현하기보다, 빛이 존재했음을 드러내는 '막'에 주목한다. 빛은 그 자체로 손에 잡히거나 고정된 형태를 가진 물질이 아니다. 피부에 닿고, 식물의 표면을 통과하고, 사물에 반사되는 순간 우리는 비로소 그 존재를 감각한다. 결국 빛은 언제나 어떤 물질과의 접촉을 통해 모습을 드러낸다.

Rather than representing light directly, this work attends to the membrane that reveals that light was there. Light in itself is not a substance that can be held in the hand or that has a fixed form. Only at the moment it touches skin, passes through the surface of a plant or reflects off an object do we finally sense its existence. In the end, light always reveals itself through contact with some material.

이러한 생각에서 나는 동물의 가죽을 하나의 '막'으로 바라보았다. 가죽은 한때 생명체의 가장 바깥에서 빛과 공기, 온도와 습도 같은 외부 세계를 직접 받아들이던 표면이다. 여기서 가죽은 특정 동물의 피부를 재현하거나 신체성을 강조하기 위한 재료라기보다, 빛과 생명, 외부 세계가 서로 맞닿아 있던 원초적인 경계면으로 기능한다.

From that thought, I came to see animal hide as a kind of membrane. Hide was once the surface at the very outside of a living body, taking in the external world of light and air, temperature and humidity directly. Here the hide functions less as a material for representing the skin of a particular animal or emphasising corporeality than as the primordial interface where light, life and the external world were in contact with one another.

그 위에는 기름이 아닌 물을 사용하는 수채의 방식으로 자연에서 채집한 파편들을 새겨 넣었다. 식물과 생명체, 지형을 연상시키는 형상들은 본래의 장소와 질서에서 떨어져 나와 가죽 위를 떠돌고, 겹치고, 서로에게 스며든다. 이 파편들은 아직 하나의 풍경으로 정착하지 않은 채 새로운 자연을 이루기 직전의 상태에 머문다.

On top of it I inscribed fragments gathered from nature, using watercolour, a method that works with water rather than oil. Forms suggesting plants, living things and terrain come away from their original places and their original order to drift across the hide, to overlap, and to seep into one another. These fragments have not yet settled into a single landscape; they remain in the state just before a new nature is formed.

따라서 이 작업에서 가죽은 하나의 완성된 세계를 담는 화면이라기보다, 세계가 만들어지기 전 파편들을 잠시 품고 있는 막에 가깝다. 빛을 받아들였던 막 위에 자연의 파편들이 모이고 흩어지며, 아직 이름 붙지 않은 관계를 형성한다. 나는 이를 통해 완결되고 정돈된 자연이 아니라, 빛과 물질, 생명의 파편들이 뒤섞이며 하나의 세계가 되어가는 태초의 상태를 담고자 했다.

In this work, therefore, the hide is less a picture plane containing a completed world than a membrane briefly holding fragments from before the world was made. On the membrane that once received light, fragments of nature gather and scatter, forming relationships that have not yet been named. Through this I wanted to hold not a finished and ordered nature but the primal state in which light, matter and fragments of life mix together and become a world.