가가 아쓰시（Atsushi Kaga）
MAHO KUBOTA Gallery에서 일본 첫 개인전을 개최하고 있던 가가 아쓰시.
필자도 회기 전반에 갤러리를 방문해 흥미롭게 작품을 감상했습니다.
https://art-on.jp/atsushi-kaga-2018/
회기가 끝나려던 타이밍에, 운 좋게 긴 시간 함께할 기회를 얻어 여러 이야기를 나눴습니다.
갤러리 근처에서 식사, 갤러리에서 해설, 레스토랑으로 돌아와 식사, 카페에서 다시 재개, 나중에 세어 보니 약 5시간이나 이야기한 셈입니다.
가가는 19세부터 아일랜드로 건너가 현지 미술학교에서 배우면서 중간에 뉴욕에서 3년 체류하는 등 국제파 아티스트입니다. 현재는 더블린을 거점으로 작가 생활을 하고 있으며, Mother’s Tankstation LTD（아일랜드）Maho Kubota Gallery（일본）라는 두 갤러리에 소속되어 있습니다. 네이티브한 영어를 곳곳에 섞어 가며 이야기해 주셨습니다.
http://www.motherstankstation.com/
작품 제작에 관해서는 아이디어가 잇달아 솟아나는 듯하여, 소재에는 곤란하지 않다는 가가. 붓을 한번 내려놓으면 스위치가 켜진 듯 다음으로 다음으로 붓이 저절로 움직여 가듯 제작이 진행된다고 합니다. 가가는 「악곡을 연주한다」는 비유를 사용해 표현했는데, 첫 음을 연주하면(악곡이 시작되면) 점점 음이 나오듯, 붓을 내려놓으면 「작품이 완성되어 간다」는 것 같습니다. 제작에는 캔버스나 판뿐 아니라 「MDF」라는 매끈한 특수 소재 보드도 사용하는 듯합니다.
한번 완성한 작품도 「REMIX」라는 표현으로 위에 색을 덧칠하거나 가필하거나 칠해 지우며 다른 작품으로 변화시키는 것도 마다하지 않는 듯합니다. 캔버스 뒷면 기재에도 완성일을 REMIX일로 덮어써 기재한다고 합니다. 구매자는 그런 작품을 만나면 「REMIX다！」라고 바로 확인할 수 있을 것입니다.
완성 후의 성취감이 이유인지, 제작을 마친 작품은 「과거의 유물」 같은 존재가 되는 듯하여, 아틀리에 안의 작품도 「엇？」 하고 놀랄 만큼 함부로 다뤄진다고 합니다.
작품에 대한 열은 제작 전에 정점을 맞이하고 완성 후에는 단숨에 식어 가기에, 작품에 대한 식은 시점을 지니고 계신 인상이었습니다.
얼마 전 입수한 화집에 사진이 많이 실려 있었다는 이야기를 해도 「그림만 실어도 구매한 사람에게 미안하다」는 뜻밖의 코멘트가 돌아오는 등, 조금 색다른 사고방식이 재미있었습니다.
https://art-on.jp/atsushi_kaga_3books/
올해 들어 방문한 뉴욕에서 다소 인상파의 요소를 도입하는 등 약간의 변화는 있으면서도, 기본적인 작품의 테마는 바꾸지 않았고, 과거 전람회의 아카이브를 봐도 기본적인 접근은 변하지 않은 듯합니다.
일본의 아트 사정에 대하여
갤러리에서는 가가의 작품 이야기가 중심이었지만, 장소를 옮겨 식사하면서 이번 개인전에서 느낀 일본의 아트 사정으로 이야기가 이어졌습니다. 이번에 처음 개최한 전람회를 통해 여러 깨달음과 놀라움이 있었던 듯합니다.
마켓
애초에 아트 작품이 팔리지 않는다는 것입니다. 가가로서도 일본보다는 홍콩 쪽이 팔릴 확률이 높다는 확신이 있다고 합니다. 아트페어 도쿄와 아트 바젤 홍콩을 비교해 봐도 일목요연하네요.
오프닝 이벤트
해외 아트 사정에 밝은 가가에게 개인전 개최의 인상을 물어보니, 오프닝 이벤트의 모임이 의외로 적다는 점. 해외에서는 공짜로 술을 마실 수 있기도 해서 학생 등을 포함해 많은 사람으로 붐빈다고 합니다. 확실히 일본에서는 저조하네요.
지역적인 문제
뉴욕이나 런던 등에서는 갤러리가 있는 곳에 모여 있어, 지역적으로 각 갤러리를 돌아보기 쉬운 상황이라고 합니다. 한편 일본을 보면 도쿄에서도 긴자, 롯폰기, 아오야마, 신주쿠, 기요스미시라카와, 시부야 등 점재해 있어, 우리 같은 아트 팬조차 상당한 노력과 시간을 들여야 합니다. 확실히 이 문제는 꽤 커 보이네요.
아트
일본의 아트 환경에 대한 그다지 긍정적이지 않은 이야기를 마치자, 어째선지 가쓰시카 호쿠사이 이야기가 되었습니다. 호쿠사이가 오늘날까지 회자되는 배경에 대해, 아트가 크게 성장하는 3가지 요소와 엮어 이야기해 주셨습니다. 이르되, 「작가」 「기술」 「컬렉터」 세 가지가 겹쳐 아트가 퍼져 간다는 설입니다.
가쓰시카 호쿠사이는 당시 최신 물감으로 일본에 들어온 프러시안 블루（베로아이）를 사용함으로써 작품의 완성도가 높아졌다는 견해입니다.
작품을 그리는 아티스트에, 그것을 뒷받침하는 화재의 제품 기술이 겹치고, 감상이나 구매 등으로 뒷받침하는 컬렉터가 있기에 비로소 아트가 성립한다는 이야기였습니다. 지금의 일본은 아트를 뒷받침하는 최종 사용자가 매우 적은 현상이라는 견해를 갖고 계십니다. 일본의 아트 시장이 조금 더 정비된다면, 현재 안고 있는 문제를 해결할 수 있을지도 모르겠네요.
맺으며
마지막으로 작가에게도 컬렉터에게도 추천하는 참고 도서를 알려 주셨습니다. 작가에게도 감상자에게도 공통으로 즐길 수 있는 「엄청 재미있는 책！」이라는 홍보입니다.
로버트 헨리 저 「아트 스피릿」입니다. 바로 주문해 봤으니 후일 리뷰를 올리고자 합니다.
맺으며
글로벌하게 활약하는 가가 아쓰시의 이야기는 매우 흥미로워, 세계적인 시점에 서서 일본 아트계를 부감할 수 있었고, 필자도 조금은 그 상황에 다가갈 수 있었습니다.
동시에 일본이 안고 있는 문제도 보여 복잡한 심경을 느꼈지만, 어떻게 해결할 수 있을지 잠시 생각해 봤는데, 어릴 적부터의 미술 교육부터 생각해 가야 하는, 뿌리 깊은 문제인 것 같은 느낌이 들었습니다.
